Was Perfektionismus mit der Freude an Musik macht
Warum die Schülerin, die sich am meisten anstrengt, manchmal am wenigsten genießt.
Miriam spielte das Intro des Stücks schon zum siebten Mal. Nicht weil sie es nicht konnte, sondern weil ihr im vierten Takt ein einziger Ton nicht ganz gefiel. Sie hielt genau an derselben Stelle an, holte Luft, begann von vorn. Als ich sagte, dass es gut klang, sah sie mich an, als hätte ich ihr etwas Unangenehmes angetan. „Aber es war nicht richtig“, sagte sie.
Sie spielte seit drei Jahren Gitarre. Ihre Technik war solide. Sie konnte das Stück. Aber sie hatte es, soweit ich sehen konnte, noch nie von Anfang bis Ende gespielt, ohne sich selbst zu unterbrechen.
In diesem Moment wurde mir klar, dass wir nicht dabei waren, Musik zu machen. Wir waren dabei, Fehler zu vermeiden. Das klingt nach demselben, ist aber das Gegenteil.
Perfektionismus sieht im Unterrichtsalltag auf den ersten Blick aus wie Fleiß. Die Schülerin übt, will es richtig machen, legt die Latte hoch. Lehrkräfte – und Eltern – deuten das schnell positiv. Aber es gibt einen feinen Unterschied zwischen einer Schülerin, die genau spielen will, und einer Schülerin, die es sich nicht erlaubt, ungenau zu sein.
Die Erste lernt etwas. Die Zweite kontrolliert sich selbst.
Was ich bei Miriam erkannte, und später bei anderen: Die Freude am Spielen selbst war nicht mehr da. Oder besser: Sie war schon da, aber nur, wenn alles stimmte. Und weil nie alles ganz stimmte, war die Freude eigentlich nie da. Jede Stunde endete mit einem Gefühl des Ungenügens, egal wie gut sie gespielt hatte.
Perfektionismus in der Musik hat etwas Paradoxes. Musik braucht Fehler. Nicht als Ziel, sondern als Teil des Lernprozesses, als Teil des Vortrags, als Teil dessen, was sie menschlich macht. Eine Aufnahme ohne eine einzige Unvollkommenheit klingt steril. Einen Live-Auftritt ohne Spannung gibt es nicht. Fehler sind nicht das Gegenteil von gutem Spiel – sie sind darin eingebaut.
Aber für eine perfektionistische Schülerin ist jeder Fehler ein Beweis für etwas. Ein Beweis, dass es nicht gut genug war, dass die Vorbereitung versagt hat, dass sie sich selbst enttäuscht hat. Der Fehler hat eine Bedeutung bekommen, die er nicht verdient.
Aus diesem System der Bedeutungszuschreibung kommst du nicht heraus, indem du einfach weiterspielst. Es steckt darin, wie die Schülerin sich selbst beurteilt, nicht darin, wie gut sie technisch ist.
Eines Tages fragte ich Miriam: Wann hast du zuletzt einfach gespielt, ohne darüber nachzudenken, ob es gut war?
Sie musste lange überlegen. „Früher“, sagte sie schließlich. „Als ich gerade angefangen hatte.“
Das hat mich berührt. Denn genau dann sitzt Musik am tiefsten – am Anfang, wenn es noch Spielen heißt und nicht Üben. Irgendwann in den Jahren danach war etwas gekippt. Üben war etwas geworden, das man musste, das bewertet wurde, das Ergebnisse bringen sollte. Und dort, unter diesem Druck, war die Freude versickert.
Ich höre Lehrkräfte manchmal sagen: Ich bringe ihn da schon durch. Aber durch was? Wenn der Schüler am anderen Ende ankommt und verlernt hat, die Musik zu fühlen, ist das kein Erfolg.
Was ich bei Schülern versuche, die sich festfahren: die Beziehung zum Stück verändern. Nicht das Stück besser spielen lassen, sondern es anders hörbar machen. Eine lockere Improvisation über dieselben Akkorde. Das Stück einmal absichtlich schlecht spielen, so schlampig wie möglich, und schauen, wie sich das anfühlt. Die Aufnahme ohne Kommentar anhören, nur um zu hören, was da ist, nicht, was fehlt.
Das ist keine Therapie. Es ist einfach Musikmachen auf eine Art, die den Kontrollreflex kurz ins Abseits stellt.
Es hilft nicht immer. Manche Schüler sind so daran gewöhnt, sich selbst zu bewerten, dass sie auch die Übung bewerten. Dann finden sie die schlechte Version nicht schlecht genug. Dann finden sie die Improvisation nicht kreativ genug. Dann höre ich, wie sie die Aufnahme kritisieren, während sie sie anhören.
Aber manchmal – ab und zu – macht es Klick. Und dann siehst du eine Schülerin zum ersten Mal seit Wochen einfach spielen.
Miriam und ich hatten einmal eine Stunde, in der ich sagte: Heute zählen Fehler nicht. Spiel das Stück von Anfang bis Ende, egal was passiert. Sie tat es. Sie stockte kurz an demselben Takt, spielte aber weiter. Am Ende sah sie auf.
„Das war komisch“, sagte sie.
„Hat es geklungen?“
Sie überlegte kurz. „Ja.“
„Dann war es genug.“
Ich weiß nicht, ob das langfristig etwas verändert hat. Aber in diesem Moment lag etwas in ihrem Gesicht – etwas, das ich in den Wochen davor nicht gesehen hatte. Keine Erleichterung über einen perfekten Vortrag. Einfach kurz Ruhe.
Ich denke manchmal daran, was aus Schülerinnen wie Miriam geworden wäre, wenn niemand eingegriffen hätte. Nichts Dramatisches – sie hätten wahrscheinlich einfach eines Tages aufgehört. Zu viel Druck, zu wenig Erfüllung, ein anderes Hobby, das weniger wehtat.
Und dann hätte niemand gewusst, dass es nicht die Musik war, die ihnen den Rest gegeben hat. Es war das Bild, das sie sich von sich selbst als Musikerin gemacht hatten.
Wie erkennst du den Unterschied zwischen einer Schülerin, die nach Qualität strebt, und einer, die sich selbst bestraft, sobald diese Qualität fehlt?
Perfektionismus ist kein hoher Anspruch – er ist Angst, die wie Ehrgeiz aussieht.